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Rattle & Berlin Phil at Carnegie Hall [音楽時評]

Simon Rattle 指揮の Berlin Philharmonic Orchestra がNew York の Carnegie Hall で2夜連続の公演を行って話題になっています.

とりわけ話題になったのは,長大曲 Bruckner の交響曲第9番を,通常演奏される3楽章構成ではなく,最近の資料収集からこれこそBruckner が意図した第4楽章という部分を加えて演奏したことです.In 1896, with his health steadily deteriorating, Anton Bruckner struggled to complete the final movement of his Ninth Symphony, which he hoped would be his masterpiece.
On Friday night at Carnegie Hall, in the second of three programs, Simon Rattle and the Berlin Philharmonic performed Bruckner’s Ninth with the American premiere of a recently completed version of the fourth movement, a result of 25 years of sleuthing and scholarship. In a video on the Carnegie Hall Web site Mr. Rattle commends the completion and almost pleads with listeners to be open-minded.

しかし,この評者,は,Rattle, Berlin Phil の第1~第3楽章の演奏が素晴らしかっただけに,付加された約22分の新第4楽章が,あまり評価できなかったといっています.

第2夜には,1曲で約90分の大曲,Marhler の交響曲第2番「復活」が演奏されたそうですが,その前に, To set a musical context for the piece Mr. Rattle and the orchestra, joined by the Westminster Symphonic Choir and (in one work) the luminous soprano Camilla Tilling began with three alluring choral songs by Mahler’s contemporary Hugo Wolf.
と Wolf の合唱曲を演じたようです.

それに続いた「復活」については,
Mr. Rattle then led an impressively integrated account of Mahler’s sprawling five-movement symphony, ...The warmth and richness of the Berlin Philharmonic’s sound were remarkable, as always. Yet here, especially in the first movement, Mr. Rattle drew lean, incisive playing and steely colors from the orchestra during the music’s vehement stretches.

There were curious moments of imprecise playing in the genial second movement and the sardonic third. But Mr. Rattle seemed more intent on conveying the music’s character with genuine spontaneity.

The plush-voiced mezzo-soprano Bernarda Fink brought poignancy to the sublime “Urlicht” movement. With Ms. Fink and Ms. Tilling singing beautifully and the resonant voices of the choir, the culmination of the finale had all the celestial exuberance any Mahlerite could ask for.
とほとんど絶賛しています.

あとは,どうぞご自由に,ご渉猟下さい.

 

 

Music Review

Filling in a Movement Bruckner Left Behind

Simon Rattle and Berlin Philharmonic at Carnegie Hall

Matthew dine for The New York Times

Simon Rattle conducting the Berlin Philharmonic with choir and solists in Mahler's “Resurrection” Symphony on Saturday.

In 1896, with his health steadily deteriorating, Anton Bruckner struggled to complete the final movement of his Ninth Symphony, which he hoped would be his masterpiece. On the last day of his life he spent the morning working on sketches. Then he took to his bed and quietly stopped breathing. He was 72.

Matthew Dine for The New York Times
Simon Rattle conducting the Berlin Philharmonic on Saturday.
Ruby Washington/The New York Times
Simon Rattle conducting the Berlin Philharmonic on Friday.

Even in its incomplete three-movement state, the Ninth Symphony has held an honored place in the repertory. Over many decades there have been attempts to complete the finale. On Friday night at Carnegie Hall, in the second of three programs, Simon Rattle and the Berlin Philharmonic performed Bruckner’s Ninth with the American premiere of a recently completed version of the fourth movement, a result of 25 years of sleuthing and scholarship. In a video on the Carnegie Hall Web site Mr. Rattle commends the completion and almost pleads with listeners to be open-minded.

In a program note John Phillips, one of four editors credited with this project, rebuts the notion that Bruckner left the last movement a shambles. One-third of it was finished and orchestrated. The layout for the entire finale was sketched. After Bruckner’s death many manuscript pages were stolen by autograph hunters. But some have turned up in recent years.

It was fascinating to hear this monumental symphony performed with an episodic, lurching final movement lasting 22 minutes. After a quizzical opening and a strong statement of the main theme there are stretches of fitful counterpoint, brass chorales and ruminative passages that take you by surprise. Over all the music pulses with a hard-wrought insistence that crests with a hallelujah coda.

Yet it was hard to know what to make of this completed finale. Bruckner compulsively revised his symphonies. What he struggled with most was the overall structure of the pieces, which anticipate Mahler’s later works in their scope and length. Sometimes Bruckner connected themes and episodes with elaborate transitional passages. At other times he just stopped what was happening and began something new. So for a Bruckner movement to be missing whole measures of connective materials is a terrible loss.

Perhaps the finale seemed more disappointing coming after the orchestra’s magnificent performance of the three familiar movements. Mr. Rattle and the Berlin players deftly balanced elements of Schubertian structure and Wagnerian turmoil in the mysterious first movement.

The brutal power of the scherzo’s main theme was chilling, with the orchestra pummeling the dense, thick, dissonance-tinged chords. And Mr. Rattle laid out the threads of chromatic counterpoint in an organic, glowing and, when appropriate, gnashing account of the Adagio.

On Saturday the series of three programs ended with another teeming work of nearly 90 minutes: Mahler’s “Resurrection” Symphony. To set a musical context for the piece Mr. Rattle and the orchestra, joined by the Westminster Symphonic Choir and (in one work) the luminous soprano Camilla Tilling began with three alluring choral songs by Mahler’s contemporary Hugo Wolf.

Mr. Rattle then led an impressively integrated account of Mahler’s sprawling five-movement symphony, which was broadcast on WQXR radio (and will be available on wqxr.org for six months by permission of the orchestra). The warmth and richness of the Berlin Philharmonic’s sound were remarkable, as always. Yet here, especially in the first movement, Mr. Rattle drew lean, incisive playing and steely colors from the orchestra during the music’s vehement stretches.

There were curious moments of imprecise playing in the genial second movement and the sardonic third. But Mr. Rattle seemed more intent on conveying the music’s character with genuine spontaneity.

The plush-voiced mezzo-soprano Bernarda Fink brought poignancy to the sublime “Urlicht” movement. With Ms. Fink and Ms. Tilling singing beautifully and the resonant voices of the choir, the culmination of the finale had all the celestial exuberance any Mahlerite could ask for.


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紀尾井ホール:古楽器でピアノ・トリオを聴く [音楽時評]

2月27日,紀尾井ホールに「4大ピアノ・トリオを聴く」の第1夜を聴きに行って来ました.

昨日はバカ・デカイ所沢ミューズ・アークホールでピアノソロを聴いて,このデカイ・ホールは一般の器楽ソロではなく,もっぱらパイプオルガン専用ホールとして使うべきではないかと考えた程でしたが,今夜は音響の良い紀尾井ホールでフォルテ・ピアノとガット弦を用いたピリオド楽器ヴァイオリンとチェロの組み合わせによるベートーヴェンとメンデルスゾーンのピアノ・トリオを聴いて,美しくて柔和な音色をたいへん堪能しました.

出演者は
ヴァイオリン: 佐藤俊介
チェロ:     鈴木秀美
フォルテピアノ:クリスティーネ・ショルンスハイム
どいう素晴らしい組み合わせでした.

プログラムは,
ベートーヴェン:  ピアノ三重奏曲変ロ長調《大公》97
メンデルスゾーン: ピアノ三重奏曲第1番ニ短調作品49
といういずれも有名曲でした.

演奏の素晴らしさは,とにかく3人の名手が揃って,フォルテピアノとピリオド楽器を使って美しく澄んだ音で演奏したことです.
今夜のフォルテピアノは,オーストリアのインスブルック工房でヨハン・ゲオルク・グレーバーが1820年頃製作したモノだそうで,6オクターブの音域と5本のペダルを備えたモノでした.
フォルテピアノは,革で覆われたハンマーをもち、チェンバロに近い細い弦が張られ,ケースはモダンピアノよりかなり軽くできており,アクション、ハンマーもともに軽く、モダンピアノよりも軽いタッチで持ち上がり,反応が極めてよいといわれます.一言でいって,繊細な音が特色です.

ガット弦は羊腸弦とも呼ばれ,羊の腸を、薄い膜の状態にしたものを引き延ばしてねじり,寄り合わせた弦をいいます.強い音は無理で,柔らかな音色を特徴としています.

このフォルテピアノとガット弦,ピリオド楽器の組み合わせで行われたピアノ・トリオを聴くのは初めての経験でしたが,大公トリオの2~3分で音になれると,たいへん澄んで美しい音が柔らかく優しく響いて,たいへん聴き応えがありました.

ベートーヴェンは,急ー急ー緩ー急,メンデルスゾーンは急ー緩ースケルツオー急のいずれも4楽章構成ですが,両曲ともほぼ各楽章に聴き慣れたメロディが含まれていますから,ひたすらフォルテピアノとガット弦の3人の名手による優美な響きを堪能した一夜でした.

なかなか聴くことのない古楽器によるトリオの名曲2曲を楽しんだ一夜でした.


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所沢ミューズ:河村尚子ピアノ・リサイタル [音楽時評]

所沢へ初めて行って,ミューズ アークホールで河村尚子のピアノリサイタルを聴いてきました.所沢の一段の寒さが身に染みて印象に残りました.

プログラムは,
ショパン:   舟歌 嬰ヘ長調 作品58
ショパン:   ピアノ・ソナタ第3番 ロ短調 58
      ※※※※※※※※
プロコフィエフ:バレエ『ロメオとジュリエット』10の小品 75より
         第2曲:情景.第4曲:少女とジュリエット,
         第6曲:モンタギュー家とキャビュレット家
プロコフィエフ:ピアノ・ソナタ第6番 イ長調 作品82
でした.

前半のショパンの舟歌は最初のCDに,そしてピアノ・ソナタ第3番はシューマンのフモレスケとのペアでCD化されており,サイン入りのCDを何度も聴いていますから,私には河村尚子の安定度を確かめさせるような好演でした.

プロコフィエフの初めの小品はたいへん柔らかく優しいタッチで聴かせてくれました.

ピアノ・ソナタ第6番は,プログラムの日本語表示にはないのですが,英語表示にははっきりと「戦争ソナタ」とあり,Program Note にもきちんと「戦争ソナタ」と明記されていました.

この2曲目「戦争ソナタ」は,前半のショパンのソナタ第3番と劇的に違うはずなのですが,ホールが天上が高くていかにも大きすぎたのか,それほどドラマティックな演奏には聴こえなかったのです.
私は,かねてから有名日本人ピアニストの演奏は,作曲家の誰を弾いても余り変わり映えがしないことに幻滅してきたモノですから,ちょっと河村尚子さんらしくない印象を受けてしまいました.

ただ,幸い,私は河村尚子の「師クライネフへのオマージュ」と題した,今日の2曲を含むオール・プロコフェィエフ・プログラムを,サイズも適切で音響もはるかに良いトッパン・ホールで3月7日に聴く予定をしていますから,彼女のプロコフィエフ演奏については,今夜は留保して,改めて書きたいと考えます.

そんな次第で,今夜は,プロコフィエフはお預けにさせていただきます.どうぞご了承下さい.

 

 

 

 


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武蔵野文化小ホール:シューマン弦楽四重奏団演奏会 [音楽時評]

2月24日,武蔵野文化会館小ホールに,シューマン弦楽四重奏団を聴きに行って来ました.結成が2007年といいますから未だ駈けだしのクヮルテットです.それでも大阪国際室内楽コンクールでは2位,2012年オーストリアで開催されたシューベルト&現代音楽コンクールというのでは優勝したそうです.

シューマンは,第1,第2ヴァイオリン,それにチェロがシューマン兄弟なので名付けられたそうです.ヴィオラに日本人の後藤彩子さんが加わっていました.2009年からといいますから,結成2年目で交替があったことになります.

今夜のプログラムは,
ハイドン:   弦楽四重奏曲 第66番 ト長調 Op.77-1,Hob.Ⅲ-81「ロブコヴィッツ」
ヤナーチェク:弦楽四重奏曲 第1番 「クロイツェル・ソナタ」
      ※※※※※※※※
シューベルト:弦楽四重奏曲第14番 二短調 「死と乙女」 D.810
でした.

偶然でしょうか,ハイドンの曲は,作品番号の表記が違っていますが,先日,東京クヮルテットが第1曲目に弾いた曲で,その印象が強く残っていたモノですから,出だしからガッガリしました.

クロイツェル・ソナタはこの直前のブログで,Julliard String Quartet の新メンバーによる演奏評で,クロイツェルの演奏が白眉だったとして述べられていたことが頭に残っていて,これも頂けませんでした.そこでは,

The highlight of the evening was a brooding, nuanced interpretation of Janacek’s Quartet No. 1 (“Kreutzer Sonata”), ... They aptly conveyed the yearning, urgency and bittersweet joviality of this richly scored work. と書かれていたのですが,シューマンはそれにはほど遠かったと思います.

シューベルトの超有名な「死と乙女」も頂けませんでした.

この弦楽四重奏団は,いったいどこまでが常設なのだろうといぶかしく思いました.アンサンブルが決して綺麗ではないのです.チェロが目立つのは悪いことではありませんが,このチェロは高音弦と低温弦で音色が違ってしまうのです.とくに低弦部では音色が濁ってしまって,クロイツエルでも「死と乙女」でも,チェロの低弦が大きく鳴るところでは,全然頂けませんでした.
それが全体をぶちこわす他にも,第1,第2ヴァイオリンが和音になるべきところが,音色がずれていて綺麗な和音にならないのです.
ヴィオラは健闘していたと思いますが,アンサンブルを救うまではいけませんでした.

兄弟姉妹でクヮルテットをやっている老舗にハーゲン弦楽四重奏団がありますが,私が何度も聴いた範囲では,出来不出来の波が大きかったという印象があります.
このシューマンもそれに似たところがあるように思うのですが,3人兄弟が本当に喧嘩腰でアンサンブルの修正を図ることには無理があるのではないでしょうか.僅か2年でヴィオラが交替したのも,さもありなんという感じでした.

丁度,タイミングの悪い日に聴きに行ってしまったのがいけなかったのですが,酷評をしてしまいました.いつもではありませんから,ご了承下さい.

なお,この弦楽四重奏団は26日には秋田県の大仙市で,今夜と同一曲目の演奏会が予定されています.


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US:メンバー交代で存続するString Quartet [音楽時評]

先日のブログで,Emerson Quartet がチェロの交替( it would fill the role of the departing cellist David Finckel, a member since 1979, with Paul Watkins, next season)でなお,当分,存続すると書きましたが,今度は,origonal member が1人もいなくなっても音楽学校の看板を背負って存続する例として,Juilliard String Quartet が,看板のfirst violin を交替させて,Juilliard の Faculty Member によるQuartet として,今後も存続の姿勢を明確にし,演奏会で見事な演奏を展開したことが報じられていましたのでご紹介します.

Mr. Joseph Lin, a sensitive, passionate player with a glowing tone, is the third musician to become the quartet’s first violinist since Robert Mann left in 1997.とあり,Robert Mann が1997年に引退してから,3人目になるそうですが,この台湾からの移民の子はたいへん優秀で,これでJulliard は安定するのではと期待されています.

Joseph Lin は,
He has performed with many symphonies, including the Boston Symphony Orchestra and the New Japan Philharmonic. He has also performed chamber music, including appearances at Ravinia and the Marlboro Music Festival. He was an assistant professor of violin at Cornell University from 2007 to 2011.
In 1996, he won first prize at the Concert Artists Guild International Competition and was named a Presidential Scholar. In 1999, he was the youngest musician to receive the Pro Musicis International award. In 2006, he won the London International String Quartet Competition.

と輝かしい経歴の持ち主ですから,これからのJulliard SQ は安定して発展するモノと期待されます.

この Julliard String Quartet 演奏会の音楽評は,タイトルにあるように,新生のQuartet を高く評価しており,その一環にJoseph Lin が置かれています.
The highlight of the evening was a brooding, nuanced interpretation of Janacek’s Quartet No. 1 (“Kreutzer Sonata”), ... Mr. Lin and his colleagues — Ronald Copes, second violinist; Samuel Rhodes, violist; and Joel Krosnick, cellist — aptly conveyed the yearning, urgency and bittersweet joviality of this richly scored work.

The evening, part of Juilliard’s faculty recital series, opened with a vivid performance of Stravinsky’s brief Three Pieces for String Quartet.

The program concluded with a graceful interpretation of Mozart’s Quartet in A (K. 464),.....As an encore, the group offered the Contrapunctus No. 4 from Bach’s “Art of Fugue.”

 

Music Review

Finding Janacek’s Yearning, Urgency and Bittersweet Joviality

After decades together the members of prominent string quartets invariably have to decide whether the whole is greater than the sum of its parts.

Jennifer Taylor for The New York Times
Juilliard String Quartet, from left, Joseph Lin, Ronald Copes, Joel Krosnick and Samuel Rhodes, in a faculty recital on Tuesday night at Alice Tully Hall. Mr. Lin, the newest member, joined the quartet last year.

Some ensembles, like the Guarneri String Quartet, ultimately disband after a prestigious career. Others reincarnate themselves with new members, like the Emerson Quartet, which said last week it would fill the role of the departing cellist David Finckel, a member since 1979, with Paul Watkins, next season.

So too has the eminent Juilliard String Quartet flourished through a number of personnel changes, and to judge from its concert on Tuesday evening at Alice Tully Hall, there haven’t been any teething problems with the latest recruit, Joseph Lin, who joined the ensemble in 2011, when he became a Juilliard faculty member.

Mr. Lin, a sensitive, passionate player with a glowing tone, is the third musician to become the quartet’s first violinist since Robert Mann left in 1997.

The highlight of the evening was a brooding, nuanced interpretation of Janacek’s Quartet No. 1 (“Kreutzer Sonata”), inspired by Tolstoy’s novella of the same name and written while Janacek was infatuated with a married woman. Mr. Lin and his colleagues — Ronald Copes, second violinist; Samuel Rhodes, violist; and Joel Krosnick, cellist — aptly conveyed the yearning, urgency and bittersweet joviality of this richly scored work.

The evening, part of Juilliard’s faculty recital series, opened with a vivid performance of Stravinsky’s brief Three Pieces for String Quartet. The innovative work inspired the poet Amy Lowell to try to capture the sound and movement of the music in verse after she heard the New York premiere in 1915.

The program concluded with a graceful interpretation of Mozart’s Quartet in A (K. 464), the fifth of six quartets Mozart dedicated to Haydn, whose efforts in the genre Mozart greatly admired. As an encore, the group offered the Contrapunctus No. 4 from Bach’s “Art of Fugue.”


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トッパンホール:D.ホープ(vn)リサイタル [音楽時評]

2月23日,トッパンホールに,ダニエル・ホープのヴァイオリンリサイタルを聴きに行って来ました.ピアノ伴奏は,セバスティアン・クナウアーでした.

ホープは,1974年南ア生まれ,ロンドンに移って,Royal Music Academy でザハール・ブロンに師事,メニューインに見出されて,彼と1999年まで60回以上の協演を重ねたといいます.
その後はウイーンに住んで,世界的に協奏曲やリサイタルで幅広く活躍し,録音も重ねている世界的なヴァイオリニストといえます.

今夜のプログラムは,
ブラームス:        G.A.E.ソナタよりスケルツォ
クララ・シューマン:   ロマンス Op.22-1
ブラームス:        ヴァイオリン・ソナタ第1番ト長調 Op.78 「雨の歌」
      ※※※※※※※※
メンデルスゾーン(D.Hope/S.Kmauer編):
                歌の翼に Op.34-2
               魔女の歌(もう一つの五月の歌) Op.8-8
ヨアヒム:          ロマンス 変ロ長調 Op.2-1
ブラームス(ヨアヒム編):ハンガリー舞曲第5番 ト短調
グリーグ:        ヴァイオリン・ソナタ第3番 ハ短調 Op.45
でした.

ホープは現代曲の初演歴でも知られた人ですが,なぜか今夜のプログラムは,ドイツ中心にノルウエーが加わって,編曲モノも加わり,クララ・シューマンやヨアヒムを取り上げた点は評価できますが,ちょっと焦点が定まっていない感じがしました.ヨアヒムはブラームスやベートーヴェンのカデンツァの作曲で既に有名ですよね.

ホープのヴァイオリンはほとんど超絶技巧に近いテクニックを駆使して,ヴァイオリンの多様な音を自在に操っていましたが,ブラームスのソナタ,グリーグのソナタのいずれもほぼスタンダードな演奏で,歯切れの良さを別にすれば,ホープならではの個性を感じさせるモノがありませんでした.

私は日程が重なって聴きませんでしたが,同じトッパンホールでの2月11日のクラマジランの演奏は希に見る個性的なモノだったと聞いていたモノですから,いくらかそれに近いモノを期待してしまっていたのが間違いの元だったかも知れません.

いいなおしますと,とにかく確かなテクニックを持って,躍動的な演奏をたっぷり聴かせて貰った点を,高く評価したいと思います.     

 


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神奈川県立音楽堂:東京クヮルテットの名演 [音楽時評]

来年解散が予定されている東京クヮルテットを聴きに,神奈川県立音楽堂に初めて行って来ました.紅葉坂を登り切ったところにあるので,時間に余裕をもって出かけた方が良いホールです.

ホールは,音楽専門ホールとしては国内で初めて作られたモノだそうで,それにしても確かにたいへん音響の良いホールでした.
東京クヮルテットもお気に入りのホールだそうで,何度もお馴染みのホールだそうです.

この6月には,王子ホールでの公演が2回,清水直子さんを加えて予定されていますが,ことによったら,それが日本での「さよなら公演」になる可能性もあります.

今夜のプログラムは,
ハイドン:    弦楽四重奏曲 81番 ト長調 op.71-1 Hob.Ⅲ-81
バルトーク:   弦楽四重奏曲 第3番 Sz.85
            ※※※※※※※※
ベートーヴェン:弦楽四重奏曲 第15番 イ短調 op.132
でした.

ハイドンは,弦楽四重奏曲を67曲完成させていますが,ハイドンのこの曲は,op.77 "Lobkowitz" quartets (1799)2曲の1曲目の曲です.その前のErdödy quartets の6曲には,「皇帝」「日の出」「ラルゴ」など有名曲が含まれ演奏機会が多いのですが,その2年後の Lobkowitz 2曲は,もう一つ未完で終わったQuartet No. 68 in D minor, Op. 103, Hoboken No. III:83 (incomplete)を除けば,彼の弦楽四重奏曲では最晩年の円熟期の2曲のうちの1曲です.それだけに複雑な要素を各楽章に取り入れた変化に富んだ名曲です.
東京クヮルテットは,Allegro moderatoーAdagioーMenuetto Presto-TrioーFinale Presto と多様性を織りなした曲を端正に好演してくれました.
ただ,若いチェロの朗朗たる響きに較べて,年配の磯村さんのヴィオラが少し衰えを隠せない風情でした.

バルトークは民族音楽の調査研究に打ち込んだ人で,彼の弦楽四重奏曲にはそれが凝縮されています.なかでも第3番はModerato,Allegro が一気に演奏される知的で,アグレッシブなリズムと響きが支配する名曲です.事実上,第2部のAllegro が第1部の再現コーダになっているのです.
この緊迫感溢れる曲を,東京クヮルテットは,見事に凝縮した名演奏で聴かせてくれました.

ベートーヴェンの第15番は
第1楽章 Assai sostenuto - Allegro イ短調、序奏つきソナタ形式
第2楽章 Allegro ma non tanto イ長調三部形式
第3楽章 "Heiliger Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit, in der lydischen Tonart(リディア旋法による病癒えたる者の神への聖なる感謝の歌)" Molto Adagio - Andante ヘ調のリディア旋法五部形式
第4楽章 Alla Marcia, assai vivace (attacca) イ長調 二部形式
第5楽章 Allegro appasionata - Presto イ短調、ロンド形式
と5楽章構成で作曲されています.
両端楽章には神秘性と悲劇性が強く表れていますが,第2,第4楽章には愉悦の要素が含まれており,長い題名の第3楽章のAndante 部分には,別に「新たな力を感じて」と書かれています.
約50分を要する大曲ですが,この曲が,今夜の白眉となる演奏でした.何度も何度も同じやや沈鬱なメロディが奏でられますが,そこでホッとするほど,全体が引き締まった緊密度の高い曲を,丁寧に力演してくれました.
このホールへのお別れのメッセージでもあったのでしょうか.

終演後,4人にホールから花束が贈られ,アンコールにべートーヴェンとは対極的な,1991年作曲の現代曲が短く演奏されましたが,その前に,池田さんがマイクを持参して,このホールへの思い出と賞賛が語られ,継いで,磯村さんがやはるホールへの思い出を語り,ビーヴァーは日本語でホールと聴衆を讃え,グリーンスミスは最初日本語,後半英語で,静かに聴いてくれた聴衆への謝辞が述べられました.

まだ6月の王子ホールが残っていますが,一時代を画した名クヮルテットが来年で解散することが決まっており,心からご苦労様でしたと申し述べたいと思います.
紅葉坂といい神奈川県立音楽堂といい,ひとつの思い出を作って貰った演奏会でした.

 

 

 


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【短信】Kent Nagano がWagner's Ring Cycle を指揮 [音楽時評]

1951年生まれの Kent Nagano は,そのcareer の初期にBoston Symphony の assistant conductor で小澤と知り合っていますが,その後,取り分けヨーロッパ,カナダで全く自力で道を切り開いて要職を歴任し,とうとうWagner の大曲,Ring Cycle の全曲指揮に,この2月から挑戦しています.

彼は,1978年から28年間バークレー交響楽団の音楽監督(2006年より首席客演指揮者)を務めながら、ハレ管弦楽団リヨン国立オペラの首席指揮者や音楽監督にも就任,その後はベルリン・ドイツ交響楽団の首席指揮者ならびに芸術監督を務めました.
2006年よりモントリオール交響楽団およびバイエルン国立歌劇場の音楽監督に就任しています.

そのバイエルン国立歌劇場,General Music Director Kent Nagano will be conducting his first fully staged Ring from the rostrum of the Bavarian State Orchestra. というのです.

小澤征爾のWagner は,あいつはWagner のOpera を見たことがないのではないか...と酷評されて,遂に,オペラ指揮者としてはRing にはまったく手が届かなかったこと,ミネソタ菅が間違えて大植英次を音楽監督に迎えてしまい,それでも,それがステップになって,何とか,北ドイツ放送響のハノーファーのサブ・オーケストラの音楽監督に移り,これも過大評価から大阪フィルの朝比奈隆の後任にまでなり,ワグナーの聖地バイロイトに1回招かれましたが,不評から1回こっきりでその後はまったくお声がかからなかったことを考えると,Kent Nagano の快挙を大いに喜びたいと思います.

 

Der Ring des Nibelungen

Der Ring des Nibelungen

From February 2012, the Bavarian State Opera will be staging the "greatest challenge for any opera house" (Nikolaus Bachler) – Richard Wagner's world drama Der Ring des Nibelungen – within just five months. Before the world commemorates the 200th anniversary of the birth of the great composer in 2013, General Director Nikolaus Bachler is shining the spotlight for the rest of the 2011/2012 season clearly on Wagner. The complete tetralogy will be shown in two cycles during the Munich Opera Festival in July 2012 (3-8 July/ 10-15 July) Director Andreas Kriegenburg is responsible for the new production, and General Music Director Kent Nagano will be conducting his first fully staged Ring from the rostrum of the Bavarian State Orchestra.


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武蔵野文化小ホール:レヴィット(pf)の名演 [音楽時評]

2月20日,武蔵野文化会館小ホールに,イゴール・レヴィット・ピアノリサイタルを聴きに行って来ました.

招聘元のプロアルテムジケの紹介では,今世紀最大のピアニストになる才能の持ち主!完璧なテクニックと芸術的成熟を合わせ持つ若き天才ピアニストとあり,期待していましたが,確かに期待を裏切らない鬼才でした.

1987年ロシア生まれ,8歳でドイツに移り,ハノーファー音楽大学を歴代最高成績で修了とありますから,年齢は24歳でしょうか.2004年に浜松ピアノアカデミー・コンクールで1位になっています.これまでの音楽評の1例を挙げますと,“Such an absolutely reliable virtuoso skill and a creative power, which excellently handles the balancing act between precision and the necessary degree of freedom - something one doesn’t see every day.”(Göttinger Tageblatt, April 2011)と絶賛されています.

日本で,今期最も期待されている小菅優,河村尚子より少し年下ということですが,たいへんな競争相手が現れたモノです.

今夜のプログラムはオール・ベートーヴェンの素晴らしいモノでした.
ベートーヴェン: ピアノ・ソナタ 第5番 ト長調 Op.79 「かっこう」
ベートーヴェン: ピアノ・ソナタ 第17番 ニ短調 Op.31-2 「テンペスト」
※※※※※※※※
ベートーヴェン: ディアベリのワルツの主題による33の変奏曲 ハ長調 Op.120
でした.

まず,この若さで果敢にディアベリ変奏曲に挑んだ力量に目を見張りました.

第1曲からそのテクニックに感嘆しました.出だしから本当に綺麗にカッコウの響きを鳴らすのです.ソナタとしてはソナチネに近くて短い「かっこう」が終わって,拍手が入るところを彼が立ち上がらなかったので,そのまま,テンペストに移りました.これがまた実に表現力豊かな見事な演奏で,すっかり魅了されました.

休憩後,ベートーヴェンがソナタを離れて形式を打ち破って選択した変奏曲のなかでも,旋律や音型を装飾していく装飾変奏から、変奏が主題の性格そのものに及ぶ性格変奏へと変化した,この代表的なディアベリ変奏曲に,レヴィットはスパット入って,1曲,1曲の変奏曲を完璧といってよいテクニックで実に見事にそれぞれの曲の輪郭をクッキリと描き出していたのには感嘆しました.ちなみにこの曲は,ベートーヴェンの「不滅の恋人」とされるアントーニア・ブレンターノに献呈されたノです.ベートーヴェンにとっても自信作だったのでしょう

私の印象に残っているこの曲の名演は,もう10年以上前のポリーニによる演奏でしたが,1曲,1曲が新鮮に聴こえたという意味では,レヴィットを取りたいという気持ちになりました

なお,21日には東京文化会館小ホールで,シューベルト:楽興の時 D.780
プロコフィエフ:ピアノ・ソナタ第4番 ハ短調「古い手帳から」 Op.29
ベートーヴェン:ピアノ・ソナタ 10番 ト長調 op.14-2
ベートーヴェン:ピアノ・ソナタ 第21番ハ長調「ワルトシュタイン」op.53
を弾くそうです.
手持ちのレパートリーもなかなかのもののようです.

これからの鬼才レヴィットの将来を大いに期待し注目したいと思います.


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サントリーホール:都響プロムナード・コンサート [音楽時評]

2月18日,サントリーホールのマチネーで,東京都交響楽団プロムナード・コンサートを聴きに行って来ました.
指揮は1976年,ウクライナ系の父,ドイツ系の母の下に,イスラエルで生まれたといいますから,35歳でしょうか.BBC Scotish Orchestra のPrincipal Conductor を経て,現在はIceland Symphony のPrincipal Conductor だそうです.多分インバルの推薦で招かれたのでしょう.
ピアノに清水和音が出演していました.

プログラムは,
武満徹:   ハウ・スロー・ザ・ウィンド
シューマン: ピアノ協奏曲 イ短調  作品54
      ※※※※※※※※
ブラームス: 交響曲第3番 ヘ長調 作品90
でした.

武満の曲は,1991年,晩年の作品で,アメリカの女性詩人エミリー・ディキンソンの詩からヒントをえた作品で,その詩から題が付けられています.
ですから,曲はたゆたうように静かに始まり,オーボエで奏された主題が他の楽器で繰り返され,循環して,静かに終わります.
武満は元来はポリフォニックな音楽を作曲してきましたが,晩年は比較的モノリシックな作風に変化したといわれますが,それを実感させる曲でした.

この指揮者は,両腕を下から上に挙げる形で指揮していました.そういえばBoston Symphony のAssistant をしていたことがあるそうですから,小澤征爾風が入っていたのかも知れません.

シューマンは,クララのために書かれた単一楽章の協奏曲「幻想曲」を3楽章に改訂して,1845年に完成した作品です.クララ自身が作曲したピアノ協奏曲が時に片鱗を見せるといいます.
ピアノの技法とオーケストラの有機性が渾然一体化された名作として挙げられる作品ですが.この名曲を清水和音がたいへん鮮明に好演してくれました.

ブラームスの交響曲第3番は,1883年5月,ブラームスが温泉地として知られるヴィースバーデンに滞在して作曲したといわれます.ヴィースバーデンでは,同地出身の若いアルト歌手ヘルミーネ・シュピース(ブラームスより24歳年下)との恋愛感情が,この曲に影響を及ぼしたといわれています.
ブラームスはこの曲であえてF-♭A-F(ドイツ語ではF-As-F)というヘ短調に属する音型を用いており,そこから生ずるヘ長調とヘ短調の葛藤が,全曲の性格に決定的な影響を与えているといわれます.シュピースとの恋は実らなかったのです.

第1楽章 Allegro con brio から,管楽器の基本音型にヴァイオリンが覆いかぶさるように第1主題を提示しますが,基本音型の翳りが付きまといます.クラリネットの第2主題がイ長調で艶やかに現れますが,展開部ではそれが低弦によって嬰ハ短調で展開されます.コーダでは,基本音型と第1主題が対峙しますが,基本音型が優位に楽章を閉じます.
第2楽章 Andante では,クラリネットファゴットのひなびた旋律が歌われますが,憂愁を帯びた基本音型が付きまといます.
第3楽章 Poco allegretto は,ハ短調で,木管のくぐもったような響きの上に、チェロが憂愁と憧憬を湛えた旋律を歌いますが,3番のなかで特に印象的な旋律です.中間部は変イ長調で、木管の夢見るような柔らかな表情が特徴的で,再現部で主部の旋律がホルン2本によって再現されます
第4楽章 Allegro - Un poco sostenuto では,。ファゴットと弦がやや暗い感じの第1主題を示し,トロンボーンの同音反復に導かれて,第2楽章のコラール風動機が奏されます.音楽は激しくなり情熱的に進みますが,第2主題はハ長調,チェロとホルンによる三連符を用いた快活なものでイ短調、ト長調、変ロ長調と転調を繰り返します.再現部で,第1主題,第2主題が表情を変えながら再現され,コーダでは,めまぐるしく主題と基本音型が入り乱れて,最後には第1楽章第1主題が回想され、静かに曲を閉じます.
ブラームスの4つの交響曲中,最短の曲ですが,まとまりのある充実した曲として心に遺ります.

指揮者は,両腕の振りがむしろ左右主体となり,適宜,左手で管楽器群に指示を送っていました.
ブラームスはなかなかの好演だったと思いますが,早い機会に再来日を期待する気分ではありませんでした.


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London:NY Phil & Gilbert への酷評 [音楽時評]

Londonのスラム街があったEast end の再開発で建てられたBarbican Hall で行われた Alan Gilbert 指揮New York Philharmonic のマーラー第9交響曲演奏会が,酷評されていました.

賞賛の場合は5っ星のところ,3っ星ですが,文章ではその3っ目の星は except admiration for the brilliance of the orchestral playing, not least the exceptional first horn. My third star is for him. とオーケストラ演奏は輝かしいモノで,特に,第1ホルンが素晴らしかったので3っ目の星と書いて,Alan Gilbert に酷評を集中しています.

悪口を訳すのは凄く難しいので,結論部分だけ原文のまま引用しておきますが,
It was, in short, like hearing all the notes but not the reasons for them. It was an accomplished, if uniformly overbearing, exhibition. And Gilbert was still beating time long after the music had lost its pulse leaving this listener feeling cold and unmoved.
とこれ以上の酷評の仕様はないだろうと思わせるモノです.

どうぞ,このBernstein を引き合いに出した酷評の極みを,原文をご自由にご渉猟の上,お感じ取り下さい.

 

 

New York Philharmonic Orchestra/ Gilbert, Barbican Hall

star number 1star number 2star number 3star number 4star number 5

 

 

For the New York Philharmonic to have embarked upon a London residency without Mahler in their portfolio would have been unconscionable.

It was they, after all, who brought it to the wider world under their most celebrated music director Leonard Bernstein. But Alan Gilbert, the current incumbent, is no Bernstein - few are - and to have begun rather than ended this three-day residency at the Barbican with the valedictory 9th Symphony only served to drive home the point that his performance made spectators rather than participants of us all.

Gilbert led by example with his forensically objective exposition of the score. From bar one of the first movement - a dark night of the soul if ever there was one - orchestral effects were neon-lit, details like stopped horn grimaces and scarifying bass woodwind apparitions thrown into exceptionally high relief. But drawing attention to the mechanics of the writing, highlighting how, for instance, Mahler has his horns switch from open to shut, from their noblest to nastiest sound, was to view this piece purely from where it was going and not from whence it came. One should feel the legacy of the great Austro-German repertoire at all times - but Gilbert even lost sight of what those parodistic inner movements might be parodying. Where was the cheesy old Viennese charm of the lumbering second movement? Why did the demented Bachian counterpoint of the Rondo-Burleske third movement sound merely hectoring and not shocking? Mahler should never feel anonymous, and this performance did.

For all the furious emoting of each and every climax, one could still count the barlines and feel little or nothing - except admiration for the brilliance of the orchestral playing, not least the exceptional first horn. My third star is for him. But really, where a conductor like Bernstein truly inhabited this music, Gilbert seemed to come at everything from without. Rubatos felt applied not organic and emotional connections, like the poignant premonition of the finale at the heart of the third movement, were heard but not felt.

It was, in short, like hearing all the notes but not the reasons for them. It was an accomplished, if uniformly overbearing, exhibition. And Gilbert was still beating time long after the music had lost its pulse leaving this listener feeling cold and unmoved.


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武蔵野文化小ホール:マリーナ・シシュvnリサイタル [音楽時評]

2月17日,武蔵野文化会館小ホールへ,2008年以来のフランスの violinist マリーナ・シシュを聴きに行って来ました.ピアノ伴奏は津田真理さんでした.

2008年の時には,凄いプログラムに惹かれて日経ホールに聴きに行ったのでした.当夜は,
ベートーヴェンヴァイオリン・ソナタ 第5番 へ長調 作品24「春」
ブラームス:ヴァイオリン・ソナタ 第2番 イ長調 作品100
サラサーテ:ツィゴイネルワイゼン
       ※※※※※※※※
フランク:ヴァイオリン・ソナタ イ長調
を果敢に弾いていましたが,ヴァイオリンの音に丸み厚みがなく,単調で,むしろピアノがリズムを刻んでいましたが,4年後の今夜の演奏も,ほとんど変わりませんでした.

今夜は,最初の予定は,
ショーソン:詩曲
ラヴェル:ヴァイオリン・ソナタ & ツィガーヌ
イザイ:無伴奏ヴァイオリン・ソナタ第三番 「バラード
バルトーク:ルーマニア民族舞曲
だったのですが,曲目変更通知が事前にあり,実際には,
ファリャ:    スペイン民謡組曲 (編曲パウル・コハンスキー)
ドビュッシー: ヴァイオリン・ソナタ
ラヴェル:    ツィガーヌ
        ※※※※※※※※
イザイ:     無伴奏ヴァイオリン・ソナタ  ニ単調 Op.27-3 「バラード」
ショーソン:   詩曲 Op.25
バルトーク:   ルーマニア民族舞曲
            Ⅰ.棒踊り,Ⅱ.飾り帯の踊り,Ⅲ.踏み踊り,Ⅳ.角笛の踊り,
            Ⅴ.ルーマニア風ポルカ,Ⅵ.早い踊り.
でした.

前回もこの人のプログラミングに違和感を覚えたのですが,今夜もそうでした.
第1曲から「編曲」された作品を持ってくるのは珍しいことではないでしょうか.そして,スペインに始まって,フランス,ベルギー,もう一度フランス,そしてハンガリーの作曲家を並べているのが,ピンときませんでした.

彼女は Giuseppe Gagliano from 1762 を弾いているのだそうですが,それにしては比較的単調であまり美麗な響きではありませんでした.
年齢は推測で29歳かと思いますが,ブラームスのヴィオリン・ソナタ全曲とかバッハを含む無伴奏ヴァイオリン曲集のレコーディングがあるにしては,あまり素晴らしいヴァイオリニストという印象には遠い印象でした.

2008年の時もそうでしたが,イザイの無伴奏以外は,すべて譜面台を置いていました.取り分け希望で曲を変更したドビュッシーもラヴェルも譜面台を立ててめくるのは意外でした.
暗譜する必要などないと考えてはいますが,たいていはお家芸があるのではないでしょうか.

どの曲も,ひととおり好演奏だったとは思いますが,技巧面のレヴェルの高さにもかかわらず,音がむしろ一本調子で,ピアノ伴奏にかなり大きく依存した演奏に終始したと思います.

武蔵野市以外に,19日,徳島県吉野川市,21日,神奈川県鵠沼で同一曲目の演奏会を同じ津田さんとやるようですから,何か聞こえてくるのを聞いてみたい気持ちです.

 

      

 


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小澤征爾はスッパリ代役指揮者を探すべき [音楽時評]

小澤征爾は何故またまたエゴイズムの塊のような姿をさらすのでしょう?

1昨年は,サイトウキネンで,プログラム外の9分間のセレナード演奏でお茶を濁して,チケット代はそのまま...昨年は2回にわたって代役を立てながら,チケット代はそのまま...

今年の水戸室内楽団では,一部,振ったり振らなかったりで,吉田秀和さんの英断で,一律3000円の払い戻しをしたばかりです.

その小澤征爾が,今度は,既にチケットを販売していた小澤征爾音楽塾のオペラ「蝶々夫人」のオペラ公演を取りやめ,ステージ上演にして,52歳のフランス出身,New York でアソシェト指揮者のピエールヴァレーに第2幕第1場まで,小澤征爾が第2幕第2場の美味しい所だけを指揮するという,世界のオペラ界に前例のない無理押しのやりかたをするのは,ほとんど暴挙というべきではないでしょうか?

音楽監督の使命は,自分の出番を探すことではなく,せっかくのプロジェクト・スケジュールを代役を探してでも調正遵守することにあることを,全く忘却してしまったのでしょうか?
これでは,小澤征爾音楽塾は,公器であることを離れて,サイトウキネン同様,私物化されてしまったことになるのではありませんか?

一番素直な変更は,せっかくの浅利慶太の演出で,オペラ上演の指揮者に代役を立てることだったはずですが,いったいぜんたいそれは模索したのでしょうか?
それとも,小澤征爾音楽塾では代役捜しが難しいほど,オペラ音楽界での地位が低下してしまっているのですか?

ベストな選択は,今からでも遅くはないはずですから,オペラ上演で代役指揮者を探すべきですし,どうしてもそれが無理なら,ステージ上演でもスッパリ代役指揮者を探すべきではないでしょうか!!!

今回の変更では,主治医と相談の上ということですが,それでは初めからチケット代嵩上げと客寄せを狙った小澤征爾の出番探しが本題だったように聞こえて,どうしても,99%がた,小澤征爾や取り巻きのエゴイズムがまかり通ったと思われてならないのです.
もし既に変更が確定だとすると,もう15年も小澤に付き合わされて52歳にもなって未だにメト・オペラで下積みのピエールヴァレーがまったく可哀相ですし,重ねて何度も踊らされる聴衆も気の毒なことです!!!
教育プログラムだといいますが,小澤征爾の元から,これまで本当に育成されて跳躍して行った人はいったいぜんたい何人いたのでしょう!教育を本気でやるなら,成功例の南米のエル・システマ方式を見習ったらどうですか!昨年は,そこからサイトウキネン松本に指揮者を招いたではありませんか!

サイトウキネンは外国人に分かりにくいから名称を変更する,そして世界に進出すると大々的に打ち出したことが,もうすっかり尻すぼみで何の説明もないままですが,きちんと説明責任を果たさないと,いい加減,日本の小澤信仰も色あせるのではありませんか?

Tanglewood で小澤がそれまで無関心だった教育プログラムに突然関心を持って強引に干渉したこともひとつのきっかけとなって,Boston Symphony を追われるように去り,人脈でありついたウイーン国立歌劇場では,実質的な仕事はほとんどしなかった小澤征爾が,東京・春・音楽祭のオペラも失って,小澤征爾音楽塾とサイトウキネンにしがみつく気持ちは分からないでもありませんが,もっと若手を正面に立てる度量がない人に,音楽塾や松本の教育プログラムなどの若手育成プロジェクトは不似合い,不釣り合いもいいところではないでしょうか?

小澤征爾には,Metropolitan Opera のMusic Director, James Levine が,スタッフや聴衆に迷惑をかけたくないと,いさぎよく2013年まで休養を宣言した敬愛される指揮者の前例に習うことを,切に奨めたいと考えるモノです.


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US: Emerson String Quartet のCellist交替 [音楽時評]

久しくアメリカのString Quartet のTopを構成してきたEmerson Quartet のチェリストの交替が公表されています.

これまで34年間にわたって4人で演奏してきた内のチェリストが,60歳を期に,2012~13年シーズン末に交替し,別の活動に入るというのです,David Finckel, 60, is leaving, he announced in a statement, to pursue his own artistic endeavors at the end of the 2012-13 season.

He will be replaced by the Welsh cellist Paul Watkins, 42, a virtuosic player who is also expanding his career as a conductor, heading the English Chamber Orchestra and pursuing a range of guest-conducting gigs.  と交替するチェリストも,既に指揮者としてのキャリアも展開している才人だそうです.

実をいうと,David Finckelも多彩な活動を重ねてきた音楽家で,今頃担って今更という感じが拭えないとAnne Midgette は書いています.
Finckel has been multi-tasking so much for so long that it’s almost surprising that he wants a change at this late date.
Together with his wife, the pianist Wu Han, he founded and directs the festival Music@Menlo in California, and runs New York’s Chamber Music Society of Lincoln Center. They also have their own recording label, ArtistLed, and concertize independently. This year, Musical America named them, jointly, their Musicians of the Year.
と誠に多彩な活動を行い,社会的にも既にそれを評価されてきたというのです.

The Emerson Quartet is arguably the leading string quartet in America, with a host of honors (including nine Grammys), a reputation as exciting and trailblazing music makers, and a string of perpetually sold out concert appearances in Washington. If their star has dimmed in recent years as they settled down in the upper reaches of the performing pantheon, it certainly wasn’t because of Finckel, who has always seemed a revitalizing force in the group. Now that role will fall to Watkins, who will bring new blood and a slightly different accent to an eminently American group.

Anne Midgette は Emerson がnew blood や少し違ったアクセントを導入して,さらに発展していくことを期待しているようです.
私も,それを大いに期待したいと思います.

Posted at 11:01 AM ET, 02/14/2012

Emerson Quartet announces sea change

A fixture on the American classical music scene announced a major change this week: the Emerson Quartet, a group that’s played together for 34 years, is switching cellists. David Finckel, 60, is leaving, he announced in a statement, to pursue his own artistic endeavors at the end of the 2012-13 season.

He will be replaced by the Welsh cellist Paul Watkins, 42, a virtuosic player who is also expanding his career as a conductor, heading the English Chamber Orchestra and pursuing a range of guest-conducting gigs.

Finckel has been multi-tasking so much for so long that it’s almost surprising that he wants a change at this late date. Together with his wife, the pianist Wu Han, he founded and directs the festival Music@Menlo in California, and runs New York’s Chamber Music Society of Lincoln Center. They also have their own recording label, ArtistLed, and concertize independently. This year, Musical America named them, jointly, their Musicians of the Year.

The Emerson Quartet is arguably the leading string quartet in America, with a host of honors (including nine Grammys), a reputation as exciting and trailblazing music makers, and a string of perpetually sold out concert appearances in Washington. If their star has dimmed in recent years as they settled down in the upper reaches of the performing pantheon, it certainly wasn’t because of Finckel, who has always seemed a revitalizing force in the group. Now that role will fall to Watkins, who will bring new blood and a slightly different accent to an eminently American group.

The current configuration of the Emerson has one more season to go. The quartet’s next Washington performance — with Wu Han — is at Strathmore on Wednesday night.

By | 11:01 AM ET, 02/14/2012 |


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サントリー:南西ドイツ放送響,ロト指揮,神尾真由子 [音楽時評]

2月14日,サントリーホールに,フランソワ=グザヴィエ・ロト指揮の南西ドイツ放送交響楽団,協演者ヴァイオリンの神尾真由子を聴きに行って来ました.

ロトは1971年生まれといいますから,40歳というところでしょう.2011年9月に,ようやく一級のオーケストラ,南西ドイツ放送交響楽団バーデンバーデン&フライブルクの首席指揮者に就任したのだそうです.
その指揮振りは,聴衆席から見ていて必ずしも風格のあるものではありませんでした.たびたび指揮台で飛び上がるのですが,節目節目でと納得させるモノではありませんでした.いささか上背が足りないので補っているのかも知れませんが,両腕を振り上げれば済むように思えてなりませんでした.

オーケストラは金管,木管楽器は一流でしたが,弦楽器群はそれほど豊麗ではありませんでしたし,打楽器は頷けないところがありました.それはベートーヴェンの「英雄」でチンパニーを終始座った姿勢で叩いていて物足りなかった点です.

神尾真由子については,今さら説明を要しないと思います

プログラムは,
ヴェーヴェルン:夏の風の中で 大オーケストラのための牧歌
シベリュース:  ヴァイオリン協奏曲 ニ短調 Op.47
        ※※※※※※※※ 
ベートーヴェン: 交響曲第3番 変ホ長調 Op.55 《英雄》  
でした. 

今夜一番大編成だったのは,ヴェーヴェルン:「夏の風の中で 大オーケストラのための牧歌」でした.いわば,この曲は,大編成のオーケストラを引き連れてきたために組み込まれたマーラー交響曲第5番に代わる作品という感じでした.
それでも,ピアニッシモから始まって,何度か盛り上がりを繰り返すそれなりに麗美な曲でした.

シベリュースに移って,神尾真由子は一段と表現力を増し,スケールが大きくなった感じを強く印象づけました. 
この曲は,創作の比較的初期.交響曲第2番第3番との間に作曲されており,ヴァイオリニストを志したシベリウスの作品らしく、難技巧が随所に取り入れられています.
1904年に初稿版で初演されましたが結果は芳しくなく,1905年にブラームスヴァイオリン協奏曲を初めて聴いたシベリウスは、自らの協奏曲よりもさらに徹底してシンフォニックなこの作品に衝撃を受け、本作を現在我々が耳にする形に改訂したといわれます.
第1楽章 Allegro moderato - Allegro molt - Moderato assai - Allegro moderato - Allegro molt vivace ニ短調は,拡大された自由なソナタ形式で,大きくは提示部(3つの主題)-展開部(カデンツァ)-やや変形された再現部とコーダ の形を取っています.
弱音器付きのヴァイオリンが小さく和声を刻む上を、独奏ヴァイオリンが第1主題(ニ短調)を提示して曲が始まる部分は,たいへん印象的です.
その後,第2,第3主題が加わった後の展開部がそっくりヴァイオリン独奏のカデンツアという特徴を持っており,このカデンツアの華麗さも強く印象に残ります.その後,3主題が変形されて現れる再現部が続きますが,交響曲を思わせる重厚な響き、緊密な構成など,シベリウスらしい独創性に富んだこの協奏曲の白眉をなす楽章といえます.
第2楽章  Adagio di molto 変ロ長調3部形式 は,ヴァイオリンがオーケストラと渡り合う感じの楽章です.
第3楽章 Allegro ma non troppo ニ長調,自由なロンド形式では,独奏楽器が技巧性を発揮する華やかな楽章で,コーダでオーケストラの演奏が短く続いた後,ヴァイオリンが終結音を奏でて終わるエンディングも印象的です.
全体を通して,神尾真由子は,スケール感豊かに,見事にオーケストラとの協奏を展開していました.今後,さらなる成塾を期待させる好演でした.
なお,アンコールに得意のパガニーニの24のカプリースより17番が華麗に演奏されました.

「英雄」は,比較的小編成で,かなり早めのテンポで演奏されましたが,中間楽章のホルンの好演が目立ちました.ただ,前に書いたように,チンパニーの響きが気になりましたし,ロトが何度も飛び上がるのに違和感がありました.
ロトは昨年の9月就任ですから,今後,いっそう良好な関係の構築が望まれます.

 


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武蔵野文化小ホール:ブラレイ(pf)リサイタル [音楽時評]

2月11日,武蔵野文化会館小ホールに,フランス生まれのフランク・ブラレイのピアノリサイタルを聴きに行って来ました.1968年生まれといいますから,43か4歳でしょうか.
1991年にエリザベート王妃Competition で優勝して以来,目覚ましい活躍を重ねており,日本にも何度も来ているそうで,ラ・フォル・ジュルネにほとんど常連のように来日しているといいますが,私にとっては,初めての体験でした.

つい先日,イギリスのクァルテットが演奏したドビュッシーに失望したのでしたが,今夜のブラレイのドビュッシーにはたいへん満足しました.

プログラムは,
シューベルト: ピアノ・ソナタ 第20番 イ長調 D.959
          ※※※※※※※
ドビュッシー:  「前奏曲」より 第1巻 第4曲  音と香りは夕暮れの大気に漂う
                         第11曲 パックの踊り
                         第6曲  雪の上の足跡
                    第2巻 第3曲  ピーノの門
                    第1巻 第9曲  さえぎられたセレナード
                         第5曲  アナカプリの丘
                         第10曲 沈める寺
ドビュッシー:映像 第1集 水に映る影,ラモー賛歌,動き
でした.

シューベルトのピアノ・ソナタ 第20番は,シューベルト最晩年のピアノ・ソナタ3曲の真ん中の作品で,私が好きな曲の1つです.ブレンデルのCDをよく聴いていますし,昨年は内田光子がサントリーホールで3曲纏めて弾いて呉れたのが,印象に残っていますし,確かラ・フォル・ジュルネで,私は河村尚子の好演を聴いた記憶があります

第1楽章 Allegro イ長調,第2楽章 Andantino 嬰ヘ短調,第3楽章 Scherzo: Allegro Vivace – Trio: Un poco più lento イ長調,第4楽章 Rondo. Allegretto-Presto イ長調 の4楽章構成ですが,第1楽章では歌謡的旋律が美しく,第2楽章は三部形式で,侘びしげな曲調から中間部にやや激しい曲調が含まれています.第3楽章スケルツオは,技巧的な楽章で聴かせます.第4楽章は,ソナタ第4番からの引用主題を活用したロンドで,テンポをPrestoに速めて,華々しく終わります.
ブラレイはかなり神経質な人で,プログラム順と楽譜を持ってきてピアノの上に置き,それから椅子の取っ手を左右に回して調整し,両手をピアノのキーボード上部にポンと当ててみて,位置を確かめてから引き始めますが,実に着実に曲想を踏まえ,精巧なテクニックで,個性的な表現力で好演を聴かせてくれました.

ドビュッシーは,詳細には入りませんが,印象派的といわれるドビュッシーを,かつての名ピアニスト,コルトーを思い起こさせるような,精妙なニュアンスを着実に踏まえて,1曲1曲をたいへん好演してくれました.

アンコールの1曲目はラベルだったと思いますが,曲名は思い出せません.もっとアンコールをしていたようですが,私は1曲だけで満足してホールを後にしました.

また機会があれば,ぜひ聴いてみたい魅力的なピアニストです.

 

 


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How Maestro Dudamel Is Saving Classical Music [音楽時評]

Gustavo Dudamel は,1981年生まれですから,今31歳でしょうか.10年に1人といってよい素晴らしい才能の持ち主ですが,早くからエル・システマで音楽教育を受けて成長したことは広く知られていますが,他に,幾多の有名指揮者の薫陶も受けています.

ブエノスアイレスシャルル・デュトワのマスタークラスを受講、2003年にはサイモン・ラトルの招きを受けてベルリンザルツブルクでアシスタントの仕事をする一方、クラウディオ・アバドも彼をマーラー室内管弦楽団に招いています.
2004年バンベルクで開かれた第1回グスタフ・マーラー国際指揮者コンクール(エサ・ペッカ・サロネンが審査員の1人)に優勝し、一躍脚光を浴びる存在となった経緯があります.

2006年には、シモン・ボリバル・ユース・オーケストラを指揮し、ベートーヴェン交響曲第5番第7番マーラー第5交響曲ドイツ・グラモフォンに録音し、その覇気あふれる演奏で話題となりました.同年にはベルリンダニエル・バレンボイムの元で学んだ後にミラノスカラ座で『ドン・ジョバンニ』の新演出を指揮して成功し,ドイツ・グラモフォンと専属契約をむすんでいます.

2007年には、ローマ教皇ベネディクト16世の80歳を記念する公演でのドヴォルザークの『新世界より』が、全ヨーロッパにテレビ生中継され、2008年にはベルリン国立歌劇場に『ラ・ボエーム』でデビューしています.また、2009年にはタイム誌のThe 2009 TIME 100に選出されています.

コンサートではヒナステラなどの、地元南米の作曲家の作品も積極的に取り上げており,シモン・ボリバル・ユース・オーケストラは,他の楽団にはない、固有の開放感に溢れた演奏で、聴衆の人気を集めています.

2007年からはエーテボリ交響楽団の首席指揮者に、2009年からはエサ・ペッカ・サロネンの指名を受けて,20代の若さでロサンジェルス・フィルハーモニックの音楽監督に就任しています.
2010年12月31日、ベルリン・フィルハーモニーホールにおいてベルリン・フィル ジルヴェスター・コンサート 2010を指揮して.ヨーロッパでも名声を確立しました.

そのDudamel が今年に入って,果敢にマーラー交響曲全曲演奏会を1ヶ月でロスとカラカスで,ロス・フィルとシモン・ボリバル・ユース・オーケストラによって展開しており,特に,1000人の交響曲といわれる交響曲第8番では,両楽団を合体させて演奏し,ロスとカラカスで演奏会を開催して話題を集めています.
シリーズのチケットは完売状態で,Dudamel がすべて暗譜でダイナミックに指揮していることも」注目されています.

以下に,ロサンゼルス・タイムスの音楽評を転載しておきましたが,その見出しが bridging the generation gap—and saving classical music. とあるのが,クラシック界が急速に世代交代を遂げつつあることを示しています.

たいへん長文なので,あとは,どうぞご自由に,ご渉猟下さい.

 

 

 

Bravo, Gustavo! How Maestro Dudamel Is Saving Classical Music

Feb 6, 2012 12:00 AM EST

Gustavo Dudamel is the Elvis of the orchestra world, and he has the sold-out concerts to prove it. Meet the L.A. Philharmonic conductor who's bridging the generation gap—and saving classical music.

Gustavo Dudamel explodes out of his seat at the podium during a rehearsal at Los Angeles’s Walt Disney Concert Hall and stands on the tips of his toes, jabbing the air violently with his conductor’s baton, a look of ice pick–murderer concentration crossing his face. Arrayed in front of him, a massive choir of some 800 singers lifts its voices in an ebullient passage from Gustav Mahler’s Eighth Symphony. Impatient with what he’s heard so far, yet intent on coaxing every last bit of romantic drama from the score, the young maestro grabs a nearby microphone to address the group. “We have a phrase in Venezuela: ‘You killed the tiger and now you’re afraid to take the skin,’” Dudamel tells them with loose cordiality. “This is happening here. You have to take the skin! Be more in the moment!”

The tiger Dudamel is taming today—known as the “Symphony of a Thousand” because of the sheer number of performers it takes to stage—has the maestro behaving like the exacting tiger mom his musicians have come to admire. Dudamel’s interpretation of Mahler’s Eighth has been the most anticipated orchestral event of the season: a sold-out performance (scalpers got $850 for a pair of tickets) featuring singers from 16 local choruses and more than 250 musicians from the two orchestras he commands, the Los Angeles Philharmonic and the Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela. As one of the largest-scale works in the classical concert repertoire and a singular fusion of song with symphony, Mahler’s Eighth is a fitting finale for what Dudamel refers to as his “crazy dream,” the Mahler Project. A series of concerts to commemorate the 100th anniversary of Mahler’s death, the project has Dudamel conducting all nine of the Austrian composer’s completed symphonies (as well as the opening movement of his unfinished 10th and “Songs of a Wayfarer”)—completely from memory. Having just finished a blockbuster run in Los Angeles, Dudamel and his orchestras depart this week for Caracas to perform the whole nine yards again.

Meet the maestro called the savior of classical music. “The Dude,” as he’s come to be known, is widely hailed as “the rock-star conductor,” the classical world’s answer to Elvis Presley or Michael Jackson. The diminutive conductor is a towering figure in symphonic music, whose cultural influence belies his relatively young 31 years. With his undulating mane of corkscrew curls, ecstatic podium presence, and unabashedly modern interpretations of cherished orchestral works, Dudamel has unleashed a flood of new interest in classical music, bridging the generation gap between pension-age high-culture appreciators and younger listeners.

The L.A. Phil chased Dudamel “around the world” to nab him., Lawrence K. Ho / Los Angeles Times-Polaris

And the show is just beginning. “The Mahler Project is immense,” says Deborah Borda, president and chief executive of the L.A. Phil. “When we planned it, I don’t think the two of us completely took in how big it would turn out to be.” It is the kind of bar-raising command performance that audiences have come to expect from the Venezuelan wunderkind—a musician who, whether taking on a Sibelius violin concerto or a Strauss symphony, makes a policy of raising the roof whenever he performs.

The grueling project also underscores Dudamel’s commitment to El Sistema—“The System”—Venezuela’s tough-love musical-outreach program for youth that made the conductor what he is and still counts him as its most forward face. “An orchestra is a model for an ideal global society—a symbol,” he says in his heavily accented English. “You have to create harmony. Everyone has to listen to each other, this large, complex group of people with different personalities that has to communicate. You have to have discipline. This is where The System works! The point is not to build better musicians. It’s to build better citizens, to see children building their lives from music.”

Born to a salsa-trombone-playing father and a vocal-coach mother, Dudamel grew up in a loving but disadvantaged household. He famously enrolled in El Sistema (full name in translation: the National System of Youth and Children’s Orchestras of Venezuela) at the age of 5. His talent as a violin prodigy was spotted early on, and soon he was receiving tutelage from The System’s founder, José Antonio Abreu, who over the last 37 years has reshaped the lives of hundreds of thousands of disadvantaged Venezuelan youths with his music-education program. By age 18, Dudamel had assumed the role of musical director and conductor of the Simón Bolívar orchestra, El Sistema’s house ensemble.

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The L.A. Phil chased Dudamel “around the world” to nab him., Lawrence K. Ho / Los Angeles Times-Polaris

“People say, ‘He’s very young!’” Dudamel says. “The image of a conductor is with white hair, 50, 60 years old. But people must remember: I started to conduct when I was 12 years old.”

Soon the conductor’s aggressively modernist outlook, his exacting vision as an orchestra leader, and his galvanizing pasión with the baton were coaxing reluctant audiences in London, Paris, and New York to give standing ovations of “Bravo, Gustavo!” Critics, meanwhile, began to view the Dude as the charismatic prodigy who could resuscitate the art form (perhaps inevitably, he has also been written off by some critics as “overhyped”). In 2004, the maestro won the first Gustav Mahler Conducting Competition in Bamberg, Germany, and acclaimed conductor Simon Rattle was hailing him as “the most astonishingly gifted conductor I have ever come across.”

The L.A. Phil’s Borda recalls chasing Dudamel “around the world” to secure his commitment as the orchestra’s music director. After visiting Caracas, Borda in 2007 maneuvered to help found Youth Orchestra Los Angeles (YOLA), which provides free instruments and intensive music and academic training to students from several of L.A.’s most underprivileged neighborhoods. “I remember getting on the plane thinking, ‘I don’t know that I’ll be able to bring Gustavo to Los Angeles,’” Borda says. “‘But I must bring El Sistema back to our city and country.’” The move not only established the first El Sistema program outside Venezuela, it lured Dudamel to the City of Angels, where he took over from Esa-Pekka Salonen as the L.A. Philharmonic’s conductor and musical director in 2009. El Sistema affiliates have since cropped up in American cities such as Chicago, New York, and Baltimore, and as far away as South Korea, Greece, Norway, Denmark, and Scotland.

At a recent YOLA rehearsal inside the swooping architectural confines of the Frank Gehry–designed Disney Hall, Dudamel’s commitment to his young charges was on vivid display. Guiding an ensemble of 40 kids through a performance of Brahms’s Hungarian Dance No. 5, the conductor was by turns goofy and cajoling. He was also stern, leaving no doubt about his expectations. After the orchestra performed one none-too-satisfactory passage, Dudamel said: “The first time was perfect. The second time was bad. The third time was worse. And the last time was horrible. Sorry, Brahms!”

Dudamel’s professional habit of holding youth-orchestra members to the high standards he sets for his adult players—even at the risk of riding them—is textbook El Sistema, says Gretchen Nielsen, director of education activities at the L.A. Phil. “There’s a thing they do in Venezuela: they throw out this goal that’s way too lofty for any kid to attain,” she explains. “But it makes them want to rise to that. And it sets up this deep trust. They think about Gustavo as a friend and this great artist. They want to fulfill both of those contracts.”

Helena Wessman, the managing and artistic director of the Göteborg Symphony, where Dudamel was conductor for five seasons, can attest to the positive impact his nucleos—as teaching centers for El Sistema are known—have had across Sweden. “This El Sistema thing: Gustavo is the icon, the ambassador of it,” she says. “I think within 10 years it will be a strong global movement. What Gustavo is doing is creating big waves of energy throughout the world.”

Kevin Sullivan / Orange County Register-ZUMA

To hear it from Dudamel, the endgame of his international acclaim is to provide inspiration. “Fame has two sides for me,” he says. “One is when fame is an inspiration for other people. The other is when fame is an inspiration for you. What that means? In the second case, it becomes an ego thing. ‘I’m the best and everybody knows me.’ In the first, you see the children calling you, and your image is an inspiration for them to accomplish things. For me, that’s amazing. You feel like things are going the right way.”

Dudamel’s efforts to conjoin his past with his future legacy were thrown into stark relief on a recent afternoon at Heart of Los Angeles, a nonprofit after-school program for underprivileged kids in L.A.’s gritty Rampart district, which houses one of the city’s two El Sistema nucleos. Some 20 members of the Simón Bolívar Symphony Orchestra were giving tutorials on cello and violin to the appreciative and surprisingly well-behaved elementary students. “When we see the children play, it’s like going back in time to watch ourselves learning how to play,” says Manuel Jurado, 20, of the Bolívar Symphony. The young Venezuelans made no secret of how they revere the Dude as something between a national hero and an inspirational icon. “He’s kind of a god for us,” says Bolívar Symphony assistant conductor Jesús Parra, 17. “He’s opened the doors for many conductors to believe in what they do. Out of thousands of children, Gustavo is the main example of what El Sistema can create.”

Lost on no one is the fact that this savior of classical music comes from the so-called Third World—and doesn’t resemble any of the elderly maestros who’ve been the face of European orchestral music for centuries.

For his part, Dudamel is happy to function as an antidote to elitism and bridge the cultural divide. “I’m coming from a Latin culture where everything is so energetic,” he says. “I cannot avoid that. It’s in my blood.”


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武蔵野文化小ホール:ブロドスキー弦楽四重奏団 [音楽時評]

The Quartet is named after the great Russian violinist Adolf Brodsky, dedicatee of Tchaikovsky's violin concerto and passionate chamber musician, who played an important role in musical life in 1920s Manchester and at the Royal Northern College of Music where the Quartet studied.
とあるように,イギリスでは聞き慣れないロシア出身のヴァイオリニストで,有名なチヤイコフスキーのヴァイオリン協奏曲を献呈された人物で,イギリスに渡って,最初にこのカルテットを教えた教師の名前を団体名として,1972年に結成されたとあります.
今年は,結成40年の記念すべき年に当たるそうですが,凄く積極的な団体で,世界中を回って演奏旅行をしており,いわゆるクロスオーバーの曲まで含めて広範囲にレコーディングしています.

ただ,オリジナル・メンバーは今では第2violinとcelloの2人に減っています.一番新しいのが   第1violinの2007年参加です.前任者は,BBC交響楽団のLeader に転出した後を継いだのだそうです.
現メンバーは,
第1violin:  Daniel Rowland
第2viiolin: Ian Belton
viola:        Paul Cassidy
cello:        Jacquline Thomas
です,

Rowland が30歳前後で,後の3人は50代から60代でしょうか.その所為もあるのでしょうが,第1violinがいささかアンバランスに鳴り響いて,クァルテットのバランスを崩す場面が目立ちました.

たいへん面白いプログラミングの仕組みを取っていて,40曲の演奏リストから聴衆が任意に選択したモノをその場で演奏するシステムコンサートをやっているといいます.

ただ,今夜の選曲を誰がやったのか知りませんが,大きな失敗だったのではないでしょうか.
プログラムは,
ショスタコーヴィチ:弦楽四重奏曲 第4番 ニ長調 Op.83
ドビュッシー:    弦楽四重奏曲 ト短調 Op.10
            ※※※※※※※※
ハイドン:       十時架上のキリストの最後の7つの言葉 Op.51 Hob.Ⅲ50-56
でした.

今夜の白眉は冒頭のショスタコーヴィチの第4番でした.1949年に作曲されながら,初演は1953年です.まだ,スターリンが健在でしたから,慎重を期したようです.
第1楽章 Allegretto ニ長調 2/2拍子 小ロンド形式,
第2楽章 Andantino ヘ短調 3/4拍子 三部形式 
第3楽章 Allegretto  ハ短調 4/4拍子 ロンド形式,
第4楽章 Allegretto   ニ長調 4/4拍子 ソナタ形式.
の4楽章構成で,古典的様式ですが,第1~第3楽章の舞踏調が第4楽章では一転して悲劇性を帯びています.たいへん歯切れの良い演奏で,私も思わず身を乗り出さんばかりでした.

しかし,ドビュッシーは完全にプログラミング・ミスだったと思います.テンポ早くぐいぐいと押し通して,どう考えてもフランスの印象派的な演奏ではありませんでした.この楽団のラヴェルのレコーディングは好調ですが,ドビュッシーは不慣れだったのではないでしょうか, 

それよりも大きなプログラミング・ミスは,ハイドンです.
私がこの曲の日本初演を聴いたのは,カザルスホールでのハレー弦楽四重奏団に俳優の寺田農さんが加わった演奏で,ステージに作ったタワーを十時架に見立てて,その上から,7つの言葉を朗読しながら,第1~第7ソナタを演奏したのです.これなら,聴衆にもまことに分かりやすい演奏になっていました.

それが,今夜は何の工夫もなしにやったのです.
せめてステージ上にテロップを流すくらいは出来たでしょうに,..それどころか,事もあろうに,クアルテットだけを楕円形に照明して,客席を暗くしてしまいましたから,プログラムも読めない状態だったのです.
そして,演奏も,すっかり第1ヴァイオリンが勝ってしまって,アンサンブルに難が目立ちました.

一体全体,武蔵野文化会館は何を考えてこんな曲を選び,無謀なセッテイングをしたのでしょうか.あまりにも無為無策に過ぎます.

しかも,この曲の終曲は,キリストが息絶えて生じたとされる「地震」なのです.3.11から1年も経たないのにいったい何を考えて「地震」を表現する音楽を聴かせたのでしょう.
武蔵野の聴衆はそれが分かっていて「ブラボー」を連発し,盛大な拍手を贈ったのでしょうか?

私自身を含めて,東日本大震災の大なり小なりの被災者は,帰宅困難者を含めれば,500人の聴衆の中に何人かはいたはずではないでしょうか?

武蔵野文化会館のプロデュース関係者に猛省を促したいと思います.
もっと出演者にも,聴衆にも望ましい選曲を心がけるべきでしょう.相手は40曲はいつでも弾ける弦楽四重奏団なのです.

東京クワルテットが残る日本人2人が来年退団して,解散を予定されていますが,ブロドスキーも,ブロドスキーから教育を受けた残り2人のメンバーが退団すれば解散するでしょう.その意味では,たいへん貴重な機会を無駄にしたというべきです.

参考までに,関西でのブロドスキーのプログラミングを載せますと,
Friday 10 February 2012
Izumi Hall, Osaka (with Ryota Komatsu, bandoneon)
Piazzolla Four for tango
Lavista Reflejos de la Noche
Alvarez Metro Chabacano
Golijov Tenebrae

Saturday 11 February 2012
Sanda City, Japan (with Ryota Komatsu, bandoneon)
Piazzolla Five Tango Sensations
Villa-Lobos, Heitor (arr. Ryota Komatsu) First movement of Bachianas Brasileiras No. 5
Ryota Komatsu A Omar Valente
Victor Lavallen Vigilia
Piazzolla Invierno Porteno
Piazzolla Libertango

というたいへん興味深いモノです.

 

 


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逗子なぎさホール:クァルテット・アルモニコの好演 [音楽時評]

私にとっては,遠路はるばるになりますが,久しぶりのクァルテット・アルモニコの演奏会を聴きに行って来ました.

1人,都合でメンバーの一時的交代があり,今日のメンバーは
ヴァイオリン:菅谷早葉,荒井知美(生田絵美の代役)
ヴィオラ:   坂本奈津子
チェロ:    富田牧子
でした.

プログラムは,
モーツアルト:  弦楽四重奏曲第3番 ト長調 K.156(K.134b)
モーツアルト:    弦楽四重奏曲第14番 ト長調 K.387
          ※※※※※※※
ドヴォルザーク: 弦楽四重奏曲第12番 ヘ長調 Op.96,B.179「アメリカ
でした.

なぎさホールはおよそ650名ほどの中規模ホールですが,ステージ上部に反響板をつけても,やはり残響が不足していました.空気も乾燥していましたから,ほとんどダイレクトにしか音が響かなかったように思います.

そえでも演奏は常連メンバーに引けをとらない好演をしていました.
特に1音1音を確実に綺麗な音で弾く菅谷早葉は健在でしたし,荒井知美さんもメンバーに溶け込んだアンサンブル作りに貢献していました.
そしてこのクァルテットの長所は,ヴィオラとチェロの音が着実にクァルテットのアンサンブルに貢献するように要所を締めて,しっかり4弦の支えになっていることです.特に,富田牧子さんがチェロをしっかりコントロールして,ソロを弾くときはしっかり美しく,他の場面ではクァルテットにしっかり溶け込んでいた点は,これまでにない出色の出来だったと思います.

モーツアルトの第3番は,ミラノ四重奏曲2番と呼ばれるイタリアで書かれた作品で,Presto,  Adagio, Tempo di menuetto の3楽章構成で,爽快さ,哀切さ,そして宮廷舞曲といった流れです.アルモニコは軽快に好演してくれました.

14番は,『春』と呼ばれることもあるウイーンで作曲されたハイドン・セットの1番です.
第1楽章 Allegro vivace assai,
第2楽章 Menuetto. Allegretto - Trio,
第3楽章 Andante cantabile,
第4楽章 Molto allegro
と4楽章構成となっており,モーツアルトが結婚した幸福感が現れている第1楽章,ダンス音楽の中間部に少し陰鬱さを帯びた第2楽章,各楽器が歌いながら対話する第3楽章,フーガ形式で充実したアンサンブルを展開する第4楽章という充実した構成です.
この第3,第4楽章は,なかなか充実した演奏でした.途中,第1ヴァイオリンが珍しく音が不安定になった箇所がありましたが,ほとんど目立たないモノでした.

後半の「アメリカ」はクァルテットを代表する有名曲ですが,ここでは4人が実に充実したアンサンブルを聴かせてくれました.特に第2楽章のいわゆるアメリカの黒人霊歌にヒントを得た楽章はまことに見事な演奏でした.

アンコールには,新メンバーが参加していたこともあって,モーツアルトの第3番の第2楽章Adagio
が演奏されました.

前に,武満徹が,クァルテットを聴くときは,服装の色調が気になるので,カザルスホールでは目を閉じて聴いていると書いていましたが,新メンバーの故もありますが,今日のアルモニコを聴いていて,演奏は素晴らしかったのですが,私は武満さんを思い出していました.

次の公演が今から楽しみです.

 

 


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US:演奏者の含蓄のある音楽評論 [音楽時評]

Manfred Honeck 指揮のPittsburgh Symphony Orchestra が,soprano Chen Reis, baritone Thomas Hampson, the Mendelssohn Choir と 
The program is
Antonin Dvorak's Biblical Songs and
Johannes Brahms' "Ein deutsches Requiem (A German Requiem)
を協演することについて,事前紹介記事で,たいへん含蓄のある評論を書いていましたので,ご紹介します.

バリトンで世界的に有名なHampsonは,"My passion is poetry set to music. I think the form of poetry and the language of music in dialogue with each other bring a new language -- art song. That dialogue is a fascinating identifier of cultures, regardless of the different kinds, therefore, contributes to an understanding of ourselves and our own culture."
と,poetry は音楽によって art song になり,両者のダイアログはfascinating identifier of cultures, regardless of the different kinds, therefore, contributes to an understanding of ourselves and our own culture." と論じています.

Hampson と 指揮者Honeck は長く協演を重ねて,互いに気心が知れてそうで,Their first collaboration was at a festival of Gustav Mahler's music in Kassel, Germany...  they celebrated the 150th anniversary of Mahler's birth July 5, 2010, with a concert in the composer's hometown of Kaliste in the Czech Republic, which has been released on DVD by Euroarts.
"We had a great time together. It was such a spontaneous meeting of minds. This will certainly be a rekindling of a friendship and similar musical ideas, rather than hammering it out.

続けてたいへん興味深いことをいっているのですが,ドヴォルザークとブラームスを組み合わせるのは,ブラームスにとって,シューマンが尊敬する大先輩であったように,ドヴォルザークにとってブラームスは尊敬する大先輩だったというのです.
それ故に,I would like to offer more than just the Brahms," Hampson says. "Manfred and I love making music. I would have come without the Biblical Songs, but we'll have more fun making music together (this way)." と「音楽」をやるために,ブラームスに加えてドヴォルザークを協演するのだというのです.

そして,The singer discovered the Biblical Songs when he was exploring Eastern European song repertoire and first performed them with Nikolaus Harnoncourt and the Vienna Philharmonic Orchestra at the Salzburg Festival in Austria. They are in Czech, a language he finds beautiful to sing. He says it's the most Italianate of the Slavic languages, "with some crazy consonants and very pure vowels."
とチェコ語を,イタリア語に似て,歌唱に美しく響く素敵な言語なのだと表現しています.

Honeck は,A requiem is a mass for the dead, and Honeck says, "I personally believe that this piece is not for those who died, but for those who live. The consolation is fantastic. He always wanted to give hope and joy."

"Michelangelo sculpted a very young woman, because he wanted to have Mary as a pure woman. I think Brahms is doing the same thing here."
これはたいへん興味深い美術と音楽の対照です.

あとは,ご自由に,ご渉猟下さい.

 

 

Classical singer Thomas Hampson has a passion for his work

Photos

Thomas Hampson 


'Brahms' Requiem'

Presented by: Pittsburgh Symphony Orchestra, Manfred Honeck,conductor
When: 8 p.m. Friday-Saturday, and 2:30 p.m. Sunday at Heinz Hall, Downtown

writer:Mark Kanny is the Pittsburgh Tribune-Review's classical music critic

 

Baritone Thomas Hampson has carved out an enviable career as one of the world's leading classical singers. Big opera companies don't only seek him for roles. They'll mount productions for him.

"My passion is song," he says. "My passion is poetry set to music. I think the form of poetry and the language of music in dialogue with each other bring a new language -- art song. That dialogue is a fascinating identifier of cultures, regardless of the different kinds, therefore, contributes to an understanding of ourselves and our own culture."

Manfred Honeck, soprano Chen Reis, baritone Thomas Hampson, the Mendelssohn Choir and the Pittsburgh Symphony Orchestra will present three concerts Friday through Sunday at Heinz Hall, Downtown. The program is Antonin Dvorak's Biblical Songs and Johannes Brahms' "Ein deutsches Requiem (A German Requiem)."

The baritone and conductor have known each other since some of Honeck's earliest concerts on the podium. Their first collaboration was at a festival of Gustav Mahler's music in Kassel, Germany. Together with mezzo-soprano Anne-Sophie Mutter, they celebrated the 150th anniversary of Mahler's birth July 5, 2010, with a concert in the composer's hometown of Kaliste in the Czech Republic, which has been released on DVD by Euroarts.

"We've stayed friends," Hampson says. "We had a great time together. It was such a spontaneous meeting of minds. This will certainly be a rekindling of a friendship and similar musical ideas, rather than hammering it out. It's such a pleasure to be with him."

The baritone suggested pairing Dvorak's Biblical Songs with Brahms' lengthier masterpiece. Brahms was an early champion of Dvorak, as Robert Schumann had been of Brahms.

"If Manfred and I are going to carve time out of schedules to be with the wonderful Pittsburgh Symphony, I would like to offer more than just the Brahms," Hampson says. "Manfred and I love making music. I would have come without the Biblical Songs, but we'll have more fun making music together (this way)."

The singer discovered the Biblical Songs when he was exploring Eastern European song repertoire and first performed them with Nikolaus Harnoncourt and the Vienna Philharmonic Orchestra at the Salzburg Festival in Austria. They are in Czech, a language he finds beautiful to sing. He says it's the most Italianate of the Slavic languages, "with some crazy consonants and very pure vowels."

"The really beautiful thing about the text of the Biblical Songs, the thrust of the cycle, is singing to God, which I find very appealing," Hampson says. "Singing of the Psalms, literally and metaphorically, is very beautiful. They are very positive songs."

The singer notes that Brahms' "A German Requiem" is ecumenical. Honeck agrees and says it's actually more like an oratorio than a requiem, which is an established liturgical text.

"Brahms put the text together himself in 1856, when Schumann died," the conductor says. "He was a religious free thinker, but we know he read the Bible every day. Christ is never mentioned in the text (of the Requiem), which is a very specific thing in this context."

A requiem is a mass for the dead, and Honeck says, "I personally believe that this piece is not for those who died, but for those who live. The consolation is fantastic. He always wanted to give hope and joy."

The fifth movement, written after Brahms' mother died, features a soprano soloist. The conductor chose Chen Reis for this part, because he wanted a pure voice, not a heavy soprano.

He says the music reminds him of Michelangelo's Pieta.

"Michelangelo sculpted a very young woman, because he wanted to have Mary as a pure woman. I think Brahms is doing the same thing here."


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